Poplars au bord de l'Epte

Álamos al borde del Epte, 1981 es un óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son 88-93 cm. Esta es una obra impresionista pintada por Claude Monet. 

Como podemos deducir por la belleza del paisaje, Monet era uno de los mejores paisajistas de todos los tiempos, cuando realiza esta obra Claude Monet ya era un pintor bastante conocido, podía vivir cómodamente de sus pinturas, por ejemplo, esto le permitió alquilar un bote para poder pintar los álamos además de convencer al dueño de este terreno para que no cortara estos álamos (eso si bajo previo pago).  El autor con esta obra nos quiso enseñar la belleza de este paisaje. También sabemos que posee unas características muy peculiares, esta pintura tiene la extraña belleza de un haiku japonés (asimétrica y conmovedora) mientras las hojas de los álamos se extienden en una gama de rojos y purpuras, concluyendo en un azul.  En este momento se considera que el autor se encuentra en su máximo esplendor. 

Si analizamos detenidamente la pintura podemos sacar las siguientes conclusiones: es una obra figurativa ya que estamos observando una imagen tangible, en la que predominan las formas abiertas, pero también utiliza formas cerradas para representar los arboles más detalladamente. Respecto a las líneas que utiliza Claude para esta representación, nos llama la atención la utilización de líneas verticales para representar los álamos, dando así una cualidad de gran elevación respecto al resto del paisaje. Predominan los colores cálidos esto nos da una sensación de clima agradable, también es evidente que al representar esta obra al aire libre necesitara de unas condiciones climáticas favorables por ello busco una estación cálida en el momento de representar este paisaje. La textura es rugosa dándole una sensación de realismo.  Observamos que la luz es real. En cuanto al espacio podemos decir que la segunda linera de árboles da una sensación de profundidad. Finalizaremos este análisis con su composición la cual es asimétrica. 

Desde mi punto de vista es un bello paisaje, en el cual destacan los álamos (para representarlos utiliza líneas verticales esta sensación de gran altitud y sumándole la segunda línea de árboles los cuales son de menor tamaño hace que resalten aún más). Este paisaje me transmite bienestar y una sensación de relajación ya que te transporta a este paisaje tan espectacular. 

Mujeres en el Jardín

Claude Monet realizo esta obra en 1866 a sus 26 años, es un óleo sobre lienzo como un aspecto a destacar decir que es una pintura muy grande su tamaño es 255x205 cm. Esta pintura es muy importante para si época ya que rompe con los cánones de ese momento,podemos afirmar que esta pintura es una de las primeras obras que Monet realizo bajo la estética plenamente impresionista. Actualmente podemos encontrar en esta obra en el museo de Orsay.

En la representación de esta obra observamos a un grupo de mujeres pasando una bonita y soleada tarde de verano en un jardín, disfrutando de la naturaleza y tranquilidad. Después de consultar diversa información puedo afirmar que en el retrato se observa a Camille, compañera de Monet posando con otras tres mujeres, esta obra artística fue encargada por Bazzille el cual pago al artista 2.500 francos en diferentes plazos. La intención de esta obra no es transmitir ningún mensaje secundario digamos que la intención o reto era poder representar al aire libre una imagen con dinamismo como si en ese momento que observamos esta obra estuviese sucediendo en ese mismo momento, Claude representa el sol que cae sobra las hojas, el reflejo de la luz que se pierde en el crepúsculo, la ropa blanca se divide y la sombra de la luz solar y las sombras de los árboles.

Si analizamos con detalle esta obra podemos afirmar: Utilizo la técnica de (plein air) es decir al aire libre cualidad básica en todas las pinturas impresionistas. Centrándonos mas en la obra, podemos ver que esta es una representación figurativa ya que estamos observando una imagen tangible, representa muchos elementos al detalle utilizando formas cerradas. El artista incorpora importantes novedades como la eliminación del color negro en las sombras que se consigue con tonalidades azuladas y malvas. Además, la pincelada es rápida y corta dando movimiento y dinamismo a la composición. La composición es simétrica esta resuelta a base de triángulos isósceles y escalenos: las tres mujeres de la izquierda forman uno, la mujer de la derecha es otro triangulo que generan sensación de grandiosidad y seguridad, la sombra proyectada en la parte inferior es rectángulo, por tanto mas inestable y dinámico , como rompiendo un poco la estabilidad que indicen los anteriores y es muy importante el triangulo isósceles invertido que forma el ramaje del árbol que centra la composición, lo que da sensación de majestuosidad y ascensión. Finalmente concluimos este análisis de la obra añadiendo que la luz es focal natural, es decir es un paisaje al que le da la luz del sol, se aprecia porque las plantas también dan sombra y es claramente un espacio abierto.

Mi opinión sobre esta obra es muy simple y breve es una obra bonita que transmite relajación y tranquilidad, pero no es de mis preferidas respecto a todas las obras de Monet, aun así, debo decir que el autor hizo un magnifico trabajo para esta época y represento la imagen que estaba observando de una manera perfecta. 

San Giorgio Maggiore at Dusk

Claude Monet era un pintor impresionista francés, esta obra conocida como San Giorgio Maggiore durante el crepúsculo (1908) es una de las obras más conocidas de Monet. Actualmente se encuentra en el Museo y Galerías Nacional de Cardiff en Gales.

A los sesenta y ocho años Monet y su esposa fueron invitados a pasar una temporada en Venecia, aunque el pintor impresionista no tenía ninguna intención de retratar ningún paisaje de esta ciudad principalmente porque Monet era reacio a escenificar los temas que habían sido representados por muchos otros artistas. Pero cuando llego, se enamoró de las vistas de Venecia. Claude Monet quería utilizar esta obra como recuerdo para sí mismo, esta pintura termino en su estudio de Francia sin imaginarse que sería reconocida mundialmente en un momento posterior. El artista con esta obra busco transmitir la belleza de un atardecer de verano en Venecia, el edificio que está representado es un santuario y monasterio situado en la costa italiana pero lo realmente llamativo de esta pintura son los colores tan vibrantes del cielo que aparecen reflejados en el agua, la manera de la que representa este efecto se podría decir que es divina.

Las características de esta obra: es una representación figurativa (para representar los edificios utiliza formas cerradas y el cielo y el mar formas abiertas), podemos observar linear verticales para representar el edificio concretamente utiliza estas líneas para representar la torre dando una sensación de elevación y altitud, en el mar vemos líneas curvas produciendo una sensación de dinamismo a esta composición, en el cielo se observan pinceladas más abiertas por lo cual no destaca ningún tipo de línea. Utiliza colores vibrantes como azul, amarillo, naranja y el rosa para representar un cálido atardecer, los efectos más interesantes son el tipo de luz que nos ofrece, utiliza pinceladas pequeñas y delgadas para representar la iluminación. Los colores primarios contrastan con sus colores elogiosos y esto hace que la pintura sea más brillante. Monet utiliza una textura rugosa para representar esta obra. Como ya he nombrado antes el autor utiliza muchos recursos para representar de manera exacta la iluminación (luz real). En este paisaje se distingue el horizonte por lo tanto es una obra con profundidad, aunque no existe volumen porque los edificios están sombreados y no tienen detalles. Finalmente concluimos este análisis diciendo que la composición es horizontal. 

Desde mi más sincera opinión debo decir que esta obra me parece que tiene una belleza extraordinariamente impresionante, esta representación de una puesta de sol me transmite una sensación de tranquilidad y paz. Creo que es una obra que merece la pena usar de forma decorativa en una vivienda.

El Parlamento

Parlamento de Londres

Claude Monet (francés)

Impresionista 1904

Actualmente este cuadro se encuentra en el museo: Museo d'Orsay, Paris. Monet vivió en Londres años atrás mientras estuvo exiliado de su Patria por una guerra (franco-prusiana), se cree que Monet sentía gran atracción por esta ciudad (la causa principal eran sus nieblas).  Claude Monet represento en esta obra el Parlamento Londinense (edificio neogótico) aunque su silueta se desdibuja por el efecto tormentoso ya que su intención real de esta obra es representar la niebla Londinense. Se cree que con esta obra Monet intenta mandar un mensaje secundario, el smog (niebla) en esos tiempos era critico en Londres (en las orillas del rio Támesis más o menos 5000 chimeneas se utilizaban para calefactar las casas más las fábricas y como consecuencia en 1893 murieron 700 londinenses, aunque esta niebla acabo a principios del siglo XX, Monet sintió que esto podría resultar de gran interés en el futuro y por esa causa se animó a reflejarlo.

Si analizamos esta obra podemos decir que su forma es figurativa abierta, aunque no es un cuadro nítido debido a que el paisaje se observa alterado por la niebla, Monet ha representado una imagen tangible en la que las pinceladas penetran en la forma. También resalta la utilización de líneas curvas que dinamizan esta composición. Destaca la gama cromática que Monet ha utilizado para esta obra para realizar detalladamente determinados elementos como el sol; el cual a pesar d estar bajo una capa de niebla da sensación de calor y potencia debido a la pincelada, gruesa que utiliza y color vivo que lo constituye. La textura es rugosa. La luz es real, esta se ve como se refleja sobre el agua y también podemos apreciar como la torre pierde su contorno y se integra en el paisaje general. Finalmente concluiremos este análisis resaltando que su composición es horizontal.

Mi opinión sobre esta obra es que es magnífica, ya que a pesar de la dificultad que es pintar al aire libre (técnica que utilizaba Monet muy a menudo) ha sido capaz de plasmar perfectamente el efecto de la niebla acompañándola de unos excelentes efectos luminosos dándole mucha naturalidad a esta obra. Sin duda es una obra que utilizaría para decorar mi vivienda.

Mosaico ( Meadow Road to Pourville)

Esta obra es un mosaico realizada por David García en noviembre de 2016, basado en una de las obras que realizo el pintor Impresionista llamado Claude Monet llamada Meadow Road to Pourville.

El autor ha realizado una adaptación de la obra de Monet adaptándola a un mosaico. El autor ha trasladado las fantásticas vistas de la obra original mostrándonos un paisaje extraordinariamente bello. Para realizar este mosaico ha utilizado la técnica Opus Tessellatum basada en la utilización de piezas cubicas y rectangulares. 

Mi opinión sobre esta obra es exquisita. 

La calle Montorgueil

La calle Montorgueli, obra pintada por Claude Monet en 1878, pertenece al Impresionismo.

Mirando a simple vista el cuadro vemos una calle estrecha colmada de gente y con  las fachadas de las casas repletas de banderas,  podemos deducir que es una conmemoración, celebración etc.  

Después de consultar en Internet sobre esta obra, Monet represento la calle de Montorgueli  en el día de la fiesta nacional de Francia en 1878 como homenaje a su país, era una época en la cual Francia había pasado una crisis reciente y trataban de conmemorar la recuperación de su País.  Investigadores americanos afirman que es una representación de un ''momento republicano'' que marca la emergencia de una sociedad democrática y su arraigo en la Francia contemporánea.

Si analizamos esta obra detenidamente podemos observar que esta pintura de Monet es una obra figurativa, también apreciamos la predominancia de líneas curvas dinamizando esta composición, (por este motivo observamos las banderas como si se estuviesen ondeando). Utiliza múltiples y rápidos brochetazos (con colores de tonalidad cálida) trata de representar la alegría en un barrio popular de parís.  

Su textura es rugosa, da realismo a la obra, Monet utiliza un punto de vista por el cual parece que estamos observando el retrato desde un edificio situado dentro del cuadro, además nos da más sensación  mayor de realismo por la característica ya nombrada anteriormente (dinamismo) y por la característica de la calle que nos sugiere profundidad. Según están ordenados los elementos observamos que su composición es diagonal y de aspa. Su iluminación es: luz focal natural.

En mi opinión es una obra bastante bonita, creo que ha transmitido perfectamente el sentimiento patriótico hacia su país, objetivo principal que pretendía con esta representación. No es una obra con la que decoraría mi vivienda porque no comparto la misma nacionalidad que el autor de esta obra.

Beach in Pourville

Playa de Pourville, obra pintada por Claude Monet en 1882. Pourville es una pequeña localidad costera situada al norte de Francia. El autor de esta obra es uno de los pintores más importantes del Impresionismo.

En este cuadro observamos un paisaje propio de una zona costera en el cual podemos ver una gran playa desierta con dos acantilados en sus extremos, Monet nos ha representado un bonito paisaje con intención de mostrarnos un lugar que es de su gusto.

La forma de esa pintura es figurativa ya que lo que observamos en esta pintura es un paisaje. Es una composición de lienzo, esta obra consta de sus partes fundamentales: Cielo, mar y la meseta. Observamos líneas curvas que dan dinamismo a la composición por ejemplo en la zona inferior del mar se aprecia movimiento del agua. Los colores que predominan en esta obra son los cálidos aunque también se observan colores fríos como el cían para el cielo y un azul verdoso (cerceta) para el mar. La textura que observamos es rugosa esto le da más realismo a la obra. Respecto a la iluminación observamos una luz focal natural. Los elementos que forman parte de esta pintura colocados de una manera muy inteligente de modo que nos trasmiten profundidad y volumen por lo cual es una obra asimétrica.

Mi opinión sobre esta obra es excelente. Monet ha reflejado dos de los paisajes que más me gustan, una playa muy tranquila y al fondo podemos observar una zona montañosa (exactamente es un acantilado). Otro motivo por los cuales me gusta esta obra es porque transmite tranquilidad, confortabilidad y el uso de colores cálidos da una sensación de que el clima es muy agradable.

La estación Saint-Lazare

Esta obra llamada La estación Saint-Lazare fue creada en 1877 por Claude Monet un artista que pertenece al impresionismo.

A mi parecer el artista ha buscado reflejar en esta pintura una escena que refleja la vida en una gran cuidad a finales del siglo XIX, muestra una imagen desde la lejanía en la cual solo se distinguen siluetas, desde mi punto de vista Monet  ha usado esta técnica para trasmitirnos las características del estilo de vida en una gran ciudad industrial que son: multitud de gente, fabricas, maquinaria etc... Tras varios años en el Campo Claude Monet se trasladó a París buscando aumentar su inspiración y se interesó por los paisajes urbanos, al igual que otros autores de la época Monet busca ser considerado como un pintor de la vida moderna. El motivo real por el que Claude  represento esta obra fue porque estaba buscando los efectos cambiantes en la luminosidad, la movilidad del tema, las nubes de vapor y un motivo radicalmente moderno.

Claude Monet para representar esta obra utiliza la técnica de óleo sobre lienzo. La forma de la obra son formas abiertas y la composición es equilibrada, utiliza líneas simétricas que ayudan a distribuir luces y sombras causando que se centre la atención sobre la locomotora del centro del cuadro. Es una composición variada en la que podemos observar : locomotoras, edificios y figuras que ayudan a dar dinamismo y sensación de movimiento a la obra este efecto también se debe por la representación de nubes de vapor y los distintos planos en los que representa el tren, remarcando esa sensación de movimiento tan presente en la obra. La luz diurna esta condicionada por las nubes de vapor que adquieren una tonalidad azulada por la luz del sol. Monet utiliza una pincelada muy rápida para conseguir que la forma vaya perdiendo importancia ante el color y la luz.

Considero que es una obra artística bonita pero me gustan las pinturas en las que Monet representa paisajes que transmiten tranquilidad y usa colores cálidos dando más alegría a la imagen representada. 

El Paseo

El paseo (1875 Claude Monet) esta es una de las obras más ilustres de Monet, comúnmente esta pintura es conocida como ''mujer con sombrilla''. Actualmente se encuentra esta obra en el National Gallery of Art  (Museo en Washington D.C, Estados Unidos). El estilo artístico de esta obra es el impresionismo y su técnica es el óleo.

Monet pinto en este retrato a su esposa Camille justo a su hijo en Argenteuil. En esta obra Monet no trata de transmitir ninguna historia oculta, la pose de la mujer es natural, esto nos indica que Claude solo estaba representando lo que observada a modo de instantánea. La única intención del autor es representar un paisaje y el movimiento de la vida en familia para destacar esto Monet utiliza una perspectiva baja para que la figura de la mujer tenga más importancia sobre el paisaje.

La forma de esta pintura es abierta debido a que las pincelas se extienden y penetran en la forma. Las personas que aparecen en la fotografía están vistas desde una perspectiva baja haciendo que la figura de la mujer parezca monumental, utilizando esta técnica implica que el cielo va a adquirir mucha importancia pero Monet consigue equilibrar todos los elementos por igual. Utiliza el color de una forma muy inteligente, los tonos más llamativos son los de la hierba que permiten quitarle protagonismo al cielo, también pinta la sombrilla del mismo color de la hierba para que esta última no capte toda nuestra atención. Aunque la figura de la mujer es enorme no destaca demasiado porque el tono del vestido es similar al del cielo, también llama la atención que aunque la figura del niño es muy pequeña no pasa desapercibida ya que utiliza unos colores rojizos en el sombrero y en la cara para que destaque. Respecto a las sombras, Monet las pinta con unos tonos violetas (muy típicos del impresionismo), la iluminación esta potenciada porque para los impresionistas la iluminación es fuente de vida y alegría.

Considero que esta es una obra muy bonita pero no es de mis preferidas sobre todas las pinturas de Monet ya que me gustan más las que el autor se centra totalmente en el paisaje siendo este cautivador y atrayente.

La terraza de Sainte-Adresse

La terraza de Sainte-Adresse esta bella pintura pertenece a Claude Monet, realizo esta obra en verano de 1867 en Sainte-Adresse es una comuna francesa situada en el departamento Sena Marítimo en la región de Alta Normandía, Esta obra pertenece al Impresionismo. Actualmente esta obra de arte se encuentra en el museo: Metropolitan Museum of Art (Nueva York).

Si observamos esta pintura a simple vista nos ofrece una visión de lo bien que se lo pasa una típica familia Francesa perteneciente a la clase burguesa, podemos ver a las mujeres con unas oportunas sombrillas para protegerse del sol y los hombres con sus sombreros blancos de verano. Pero en realidad se piensa que es muy probable que las personas que se observan fueran los familiares del propio autor, Adolphe Monet sentado en una silla y, al fondo junto a la valla, Jeanne-Marie Lecadre, esta era una prima lejana del artista junto a su padre el Dr.Adolphe Lecrade. El personaje que aparece semioculto por una sombrilla, puede ser Sophie Lecrade, hermana e hija de los personajes del fondo. Pero todo no es sino una excusa para mostrarnos la refrescante brisa que mueve las banderas y al fondo el mar plagado de barcos de vapor y de vela.

Analizando esta obra podemos sacar las siguientes conclusiones: 

La forma de esta obra es figurativa y cerrada ya que observamos elementos que se pueden sacar de forma individual, la persona, la silla, la bandera. Respecto a las líneas están bien definidas esto da dinamismo y movimiento a la obra. Las líneas verticales de los mástiles rompen con la horizontalidad del mar y la lejanía.

En gran medida utiliza colores cálidos ya que está representando un paisaje de verano solo utiliza colores fríos para representar el agua. Las sombras coloreadas y los contrastes entre las diferentes tonalidades muestran la frescura propia de las obras impresionistas. La textura es rugosa dándole realismo al escenario.

La escena se desarrolla bajo una potente luz de plein air, Observando tres planos de tierra, mar y cielo.

Desde mi punto de vista me parece una obra muy bonita a la vez que simple, Monet representa a la perfección un encantador paisaje. Este tipo de obra seria la que usaría para decorar mi casa  ya que el paisaje me trasmite confortabilidad, tranquilidad además se puede observar un jardín muy verde y el mar, la mezcla de estos dos elementos me encanta.

The Cliff Walk at Pourville

Esta imagen es una pintura que realizo Monet, el nombre de esta obra en Castellano es: Paseo por el acantilado en Pourville de 1882.

Desde mi punto de vista esta obra representa la esperanza, ya que se observa dos mujeres al borde del acantilado observando el horizonte en busca de ver algo o alguien, probablemente estas mujeres saben que eso no va a ocurrir pero aun así no pierden la esperanza y mantienen la mirada sobre la mar. Concretamente yo creo que estas mujeres están esperando el regreso de sus amados/maridos que partieron en una peligrosa expedición con la misión de conquistar tierras nuevas en otro continente. Las mujeres ya saben que ha pasado mucho tiempo y es posible que el cuerpo de sus maridos yazca en e fondo del mar pero ellas aun así no pierden la esperanza y cada día pasan la tarde esperando su regreso.

Después de consultar diversa información sobre el significado de esta obra puedo afirmar que Monet realizo esta obra en Normandía, viajo a este este lugar para pintar (sobre la década de 1880 se dedicó a realizar muchas expediciones) estos viajes sirvieron como refugio de sus presiones personales y profesionales.

Las dos mujeres que se observan en el acantilado son probablemente Marthe y Blanche, las hijas mayores de Hoschede. En esta obra Monet abordo el problema de la inserción de figuras en el paisaje sin perturbar la unidad de su superficie pictórica. Se integra los elementos entre sí a través de la textura y el color. La hierba, está pintada con pinceladas cortas y enérgicas creando un efecto por el cual parece que están en movimiento por la brisa. También Monet redujo el tamaño de un promontorio rocoso en el extremo derecho para equilibrar unas mejores proporciones de la composición.

Impression,soleil levant

Impresión,sol naciente

En primer lugar me gustaría recalcar en esta pequeña introducción, mi gusto y admiración por esta obra, además se podría decir que fue uno de los motivos por los cuales me he basado para trabajar sobre el impresionismo en este blog (corriente artística a la que pertenece esta pintura).

Desde mi punto de vista creo que el autor ha representado en esta obra artística es lo siguiente: un amanecer en el puerto de una ciudad marítima, donde a primera vista lo que observamos unas pequeñas barcas en las cuales podemos contemplar la silueta de personas las cuales están trabajando en actividades pesqueras al alba para poder conseguir sustento para sus familias lo cual nos indica lo duro que era la vida para las personas que no pertenecían a la clases altas de la sociedad. Más adelante observamos una espesa niebla la cual nos impide ver con claridad las fábricas y almacenes situados en la zona del puerto, esto es así porque es una zona industrial en la cual se producen barcos y entregas de mercancías.

Después de buscar información sobre esta pintura puedo afirmar que Claude Monet no tenía ninguna intención de mostrar algún contenido religioso, mitológico lo único que pretende es tomar una instantánea de la realidad de esa época a modo de fotografía, siendo más concreto Monet busca un encuadrado de la ''foto'' dando más importancia al agua y sus reflejos por lo cual el cielo queda en un segundo plano para conseguir esto utiliza un punto de vista más elevado que el motivo, tomando una vista en picado.

Este cuadro históricamente es considerado como la primera creación verdaderamente impresionista, se considera que refleja gran parte de las características del estilo. Las características generales de esta pintura son las siguientes: gran importancia de la luz por qué se necesita una pintura rápida y al aire libre, técnicamente utiliza una pincelada muy suelta con esto se busca más que pintar buscar brillos y reflejos, otra de las características a destacar de esta obra es que Monet renuncia al negro coloreando las sombras con tonos fríos y sus complementarios.

Claude Monet

Claude Monet

Oscar-Claude Monet, nació en Giverny (París) el 14 de noviembre de 1840. Fue considerado uno de los creadores del impresionismo. Se considera que el término de impresionismo deriva de su obra . (Impresión,sol naciente).

Monet comenzó a pintar obras impresionistas en torno a 1860, anteriormente sus creaciones pertenecían al estilo realista, como consecuencia de este cambio Monet vio perjudicados sus ingresos ya que el impresionismo no era el estilo ideal marcado por las academias de arte en esta época.

En 1870 Monet, Renoir y Degas participaron en una exposición Impresionista. Su estimada obra (impresión, sol naciente) formo parte del salón des Refuses en 1874. Su situación económica no mejoro hasta 1890, Monet desarrollo una técnica llamada (series) esta consistía en repetir la obra varias veces con diferente iluminación, también durante esta década comenzó a trabajar en su casa de Giverny con estanques de nenúfares esto utilizo más adelante como móvil para sus pinturas.

Monet falleció el 5 de Diciembre de 1926, en sus últimas décadas de vida fue diagnosticado de cataratas, esta enfermedad fue el primer paso por el cual su situación se agravo y acabo entrando en un estado de depresión, esta enfermedad fue una de las causas principales de su muerte. En los últimos años de su vida el temor de que alguna de sus pinturas que no estuviese terminada entrase en el mercado le llevo a destruir muchas de sus obras, bocetos o borradores que tenía en proyección, a pesar de todos sus intentos acabo sucediendo.