Mujeres en el Jardín

Claude Monet realizo esta obra en 1866 a sus 26 años, es un óleo sobre lienzo como un aspecto a destacar decir que es una pintura muy grande su tamaño es 255x205 cm. Esta pintura es muy importante para si época ya que rompe con los cánones de ese momento,podemos afirmar que esta pintura es una de las primeras obras que Monet realizo bajo la estética plenamente impresionista. Actualmente podemos encontrar en esta obra en el museo de Orsay.

En la representación de esta obra observamos a un grupo de mujeres pasando una bonita y soleada tarde de verano en un jardín, disfrutando de la naturaleza y tranquilidad. Después de consultar diversa información puedo afirmar que en el retrato se observa a Camille, compañera de Monet posando con otras tres mujeres, esta obra artística fue encargada por Bazzille el cual pago al artista 2.500 francos en diferentes plazos. La intención de esta obra no es transmitir ningún mensaje secundario digamos que la intención o reto era poder representar al aire libre una imagen con dinamismo como si en ese momento que observamos esta obra estuviese sucediendo en ese mismo momento, Claude representa el sol que cae sobra las hojas, el reflejo de la luz que se pierde en el crepúsculo, la ropa blanca se divide y la sombra de la luz solar y las sombras de los árboles.

Si analizamos con detalle esta obra podemos afirmar: Utilizo la técnica de (plein air) es decir al aire libre cualidad básica en todas las pinturas impresionistas. Centrándonos mas en la obra, podemos ver que esta es una representación figurativa ya que estamos observando una imagen tangible, representa muchos elementos al detalle utilizando formas cerradas. El artista incorpora importantes novedades como la eliminación del color negro en las sombras que se consigue con tonalidades azuladas y malvas. Además, la pincelada es rápida y corta dando movimiento y dinamismo a la composición. La composición es simétrica esta resuelta a base de triángulos isósceles y escalenos: las tres mujeres de la izquierda forman uno, la mujer de la derecha es otro triangulo que generan sensación de grandiosidad y seguridad, la sombra proyectada en la parte inferior es rectángulo, por tanto mas inestable y dinámico , como rompiendo un poco la estabilidad que indicen los anteriores y es muy importante el triangulo isósceles invertido que forma el ramaje del árbol que centra la composición, lo que da sensación de majestuosidad y ascensión. Finalmente concluimos este análisis de la obra añadiendo que la luz es focal natural, es decir es un paisaje al que le da la luz del sol, se aprecia porque las plantas también dan sombra y es claramente un espacio abierto.

Mi opinión sobre esta obra es muy simple y breve es una obra bonita que transmite relajación y tranquilidad, pero no es de mis preferidas respecto a todas las obras de Monet, aun así, debo decir que el autor hizo un magnifico trabajo para esta época y represento la imagen que estaba observando de una manera perfecta. 

San Giorgio Maggiore at Dusk

Claude Monet era un pintor impresionista francés, esta obra conocida como San Giorgio Maggiore durante el crepúsculo (1908) es una de las obras más conocidas de Monet. Actualmente se encuentra en el Museo y Galerías Nacional de Cardiff en Gales.

A los sesenta y ocho años Monet y su esposa fueron invitados a pasar una temporada en Venecia, aunque el pintor impresionista no tenía ninguna intención de retratar ningún paisaje de esta ciudad principalmente porque Monet era reacio a escenificar los temas que habían sido representados por muchos otros artistas. Pero cuando llego, se enamoró de las vistas de Venecia. Claude Monet quería utilizar esta obra como recuerdo para sí mismo, esta pintura termino en su estudio de Francia sin imaginarse que sería reconocida mundialmente en un momento posterior. El artista con esta obra busco transmitir la belleza de un atardecer de verano en Venecia, el edificio que está representado es un santuario y monasterio situado en la costa italiana pero lo realmente llamativo de esta pintura son los colores tan vibrantes del cielo que aparecen reflejados en el agua, la manera de la que representa este efecto se podría decir que es divina.

Las características de esta obra: es una representación figurativa (para representar los edificios utiliza formas cerradas y el cielo y el mar formas abiertas), podemos observar linear verticales para representar el edificio concretamente utiliza estas líneas para representar la torre dando una sensación de elevación y altitud, en el mar vemos líneas curvas produciendo una sensación de dinamismo a esta composición, en el cielo se observan pinceladas más abiertas por lo cual no destaca ningún tipo de línea. Utiliza colores vibrantes como azul, amarillo, naranja y el rosa para representar un cálido atardecer, los efectos más interesantes son el tipo de luz que nos ofrece, utiliza pinceladas pequeñas y delgadas para representar la iluminación. Los colores primarios contrastan con sus colores elogiosos y esto hace que la pintura sea más brillante. Monet utiliza una textura rugosa para representar esta obra. Como ya he nombrado antes el autor utiliza muchos recursos para representar de manera exacta la iluminación (luz real). En este paisaje se distingue el horizonte por lo tanto es una obra con profundidad, aunque no existe volumen porque los edificios están sombreados y no tienen detalles. Finalmente concluimos este análisis diciendo que la composición es horizontal. 

Desde mi más sincera opinión debo decir que esta obra me parece que tiene una belleza extraordinariamente impresionante, esta representación de una puesta de sol me transmite una sensación de tranquilidad y paz. Creo que es una obra que merece la pena usar de forma decorativa en una vivienda.

El Parlamento

Parlamento de Londres

Claude Monet (francés)

Impresionista 1904

Actualmente este cuadro se encuentra en el museo: Museo d'Orsay, Paris. Monet vivió en Londres años atrás mientras estuvo exiliado de su Patria por una guerra (franco-prusiana), se cree que Monet sentía gran atracción por esta ciudad (la causa principal eran sus nieblas).  Claude Monet represento en esta obra el Parlamento Londinense (edificio neogótico) aunque su silueta se desdibuja por el efecto tormentoso ya que su intención real de esta obra es representar la niebla Londinense. Se cree que con esta obra Monet intenta mandar un mensaje secundario, el smog (niebla) en esos tiempos era critico en Londres (en las orillas del rio Támesis más o menos 5000 chimeneas se utilizaban para calefactar las casas más las fábricas y como consecuencia en 1893 murieron 700 londinenses, aunque esta niebla acabo a principios del siglo XX, Monet sintió que esto podría resultar de gran interés en el futuro y por esa causa se animó a reflejarlo.

Si analizamos esta obra podemos decir que su forma es figurativa abierta, aunque no es un cuadro nítido debido a que el paisaje se observa alterado por la niebla, Monet ha representado una imagen tangible en la que las pinceladas penetran en la forma. También resalta la utilización de líneas curvas que dinamizan esta composición. Destaca la gama cromática que Monet ha utilizado para esta obra para realizar detalladamente determinados elementos como el sol; el cual a pesar d estar bajo una capa de niebla da sensación de calor y potencia debido a la pincelada, gruesa que utiliza y color vivo que lo constituye. La textura es rugosa. La luz es real, esta se ve como se refleja sobre el agua y también podemos apreciar como la torre pierde su contorno y se integra en el paisaje general. Finalmente concluiremos este análisis resaltando que su composición es horizontal.

Mi opinión sobre esta obra es que es magnífica, ya que a pesar de la dificultad que es pintar al aire libre (técnica que utilizaba Monet muy a menudo) ha sido capaz de plasmar perfectamente el efecto de la niebla acompañándola de unos excelentes efectos luminosos dándole mucha naturalidad a esta obra. Sin duda es una obra que utilizaría para decorar mi vivienda.

Mosaico ( Meadow Road to Pourville)

Esta obra es un mosaico realizada por David García en noviembre de 2016, basado en una de las obras que realizo el pintor Impresionista llamado Claude Monet llamada Meadow Road to Pourville.

El autor ha realizado una adaptación de la obra de Monet adaptándola a un mosaico. El autor ha trasladado las fantásticas vistas de la obra original mostrándonos un paisaje extraordinariamente bello. Para realizar este mosaico ha utilizado la técnica Opus Tessellatum basada en la utilización de piezas cubicas y rectangulares. 

Mi opinión sobre esta obra es exquisita. 

La calle Montorgueil

La calle Montorgueli, obra pintada por Claude Monet en 1878, pertenece al Impresionismo.

Mirando a simple vista el cuadro vemos una calle estrecha colmada de gente y con  las fachadas de las casas repletas de banderas,  podemos deducir que es una conmemoración, celebración etc.  

Después de consultar en Internet sobre esta obra, Monet represento la calle de Montorgueli  en el día de la fiesta nacional de Francia en 1878 como homenaje a su país, era una época en la cual Francia había pasado una crisis reciente y trataban de conmemorar la recuperación de su País.  Investigadores americanos afirman que es una representación de un ''momento republicano'' que marca la emergencia de una sociedad democrática y su arraigo en la Francia contemporánea.

Si analizamos esta obra detenidamente podemos observar que esta pintura de Monet es una obra figurativa, también apreciamos la predominancia de líneas curvas dinamizando esta composición, (por este motivo observamos las banderas como si se estuviesen ondeando). Utiliza múltiples y rápidos brochetazos (con colores de tonalidad cálida) trata de representar la alegría en un barrio popular de parís.  

Su textura es rugosa, da realismo a la obra, Monet utiliza un punto de vista por el cual parece que estamos observando el retrato desde un edificio situado dentro del cuadro, además nos da más sensación  mayor de realismo por la característica ya nombrada anteriormente (dinamismo) y por la característica de la calle que nos sugiere profundidad. Según están ordenados los elementos observamos que su composición es diagonal y de aspa. Su iluminación es: luz focal natural.

En mi opinión es una obra bastante bonita, creo que ha transmitido perfectamente el sentimiento patriótico hacia su país, objetivo principal que pretendía con esta representación. No es una obra con la que decoraría mi vivienda porque no comparto la misma nacionalidad que el autor de esta obra.